Sucinta Historia de la Literatura Universal (2). Del Renacimiento al Clasicismo

TEMA 2. RENACIMIENTO Y CLASICISMO
  1. Humanismo y Renacimiento: Dante, Petrarca y Boccaccio
  2. El teatro isabelino: la obra de Shakespeare
  3. El teatro clásico francés: Molière
  4. Análisis de Romeo y Julieta, de W. Shakespeare
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  1. HUMANISMO Y RENACIMIENTO: DANTE, PETRARCA Y BOCCACCIO
1.1. Renacimiento 
Renacimiento es el nombre dado a la etapa cultural, política y económica que floreció en Europa en los siglos XV y XVI. Surgió primero en Italia ya en el siglo XIV y luego se expandió, a finales de ese siglo, por toda Europa. Las circunstancias sociales que lo favorecieron fueron: crecimiento de la economía y la riqueza, protagonizada por los burgueses; invención de la imprenta (Gutenberg, hacia 1450) como medio de difusión económica del conocimiento y la cultura a través del libro; etapa de grandes descubrimientos y exploraciones geográficas realizadas por españoles y portugueses;  grandes movimientos religiosos de renovación: Reforma y Contrarreforma; y, finalmente, descomposición del orden feudal a favor de una sociedad más abierta dominada por ciudades-estado en Italia y estados modernos en el resto de Europa. Los rasgos ideológicos más importantes que explican el cambio de mentalidad son los siguientes:
*Antropocentrismo: frente al teocentrismo medieval, ahora se defiende una visión del mundo centrada en el hombre y sus anhelos y preocupaciones; es el centro de la escala de valores.
*Renacer de la cultura clásica greco-latina. El conocimiento e imitación de los clásicos es el mejor camino para avanzar con seguridad hacia adelante; la Edad Media fue un desgraciado y estéril paréntesis.
*Triunfa el racionalismo y el experimentalismo como forma intelectual de conocimiento y comprensión de la realidad. Hay que ver las cosas, manipular y someter al juicio de la razón para buscar la verdad.
*Equilibrio y armonía son los dos vectores de composición artística y de desarrollo personal. El orden y la proporción deben regir los procesos creativos, intelectuales y personales.
*Vitalismo optimista. Se produce una exaltación de la hermosura de la naturaleza y del mundo. El hombre puede gozar de la belleza, en el entorno de un optimismo antropológico.
1.2. Humanismo
El Humanismo es el movimiento cultural, de naturaleza intelectual, surgido en Italia en el siglo XIV (luego, asentado en los siglos XV y XVI en el resto de Europa), que predomina en el Renacimiento. Sus rasgos determinantes son:
*Admiración y estudio sistemático y riguroso de los artistas clásicos greco-latinos, considerados modelos insuperables. 
*La lengua latina (y también la griega) son modelos acabados de vehículos de comunicación literaria, por lo que su estudio a fondo se hace insustituible. La filología es una ciencia prestigiosa en franca expansión. Se realizan ediciones pulcras y bellas de los grandes clásicos.
*Imitación de los creadores greco-latinos como forma de creación artística. En las artes (pintura, arquitectura, literatura, etc.), las obras y creadores clásicos son modelos perfectos de inspiración. Por eso vuelve el uso de la mitología, de los temas bucólicos y pastoriles.
*Interés por las lenguas vulgares, consideradas ahora válidas como instrumento de expresión artística y de comunicación.
*Potencian los studia humanitatis frente al sistema cerrado y rígido de estudios medievales. Debían restaurar todas las disciplinas que ayudaran a un mejor conocimiento y comprensión de los autores de la Antigüedad Clásica, a la que se consideraba un modelo de conocimiento más puro. Con el objeto de recrear las escuelas de pensamiento filosófico grecolatino e imitar el estilo y lengua de los escritores clásicos, se desarrollaron extraordinariamente la gramática, la retórica, la literatura, la filosofía moral y la historia, ciencias ligadas estrechamente al espíritu humano, en el marco general de la filosofía humanista. Se cultivan las artes liberales o todos los saberes dignos del hombre libre frente al dogmatismo cerrado de la teología medieval.
1.3. Dante Alighieri (Florencia, Italia, 1265 – Rávena, 1321)
Nació en el seno de una familia rica y poderosa en la próspera y turbulenta ciudad de Florencia. Sus estudios debieron de abarcar el latín, la filosofía y la literatura en varias lenguas romances (italiano o toscano, en la época, provenzal y siciliano). Mantuvo un amor cortés o platónico por Beatriz Portinari, al parecer una chica real de su ciudad que murió hacia 1290, con 24 años. No le impidió comprometerse a los doce años, en 1277, con una rica muchacha, Gemma –era costumbre de la época y los padres se aseguraban la concentración del patrimonio familiar–; se casarían en 1291; del matrimonio nacieron tres hijos. Participó en la turbulenta política de su ciudad y luchó en el bando de los güelfos blancos (a favor de la unidad de Italia y en contra del excesivo poder del Papa en la península itálica), contra los güelfos negros y los gibelinos. Su partido perdió el poder y, desde 1302, se exilió en Verona, donde vivió décadas; luego pasó a Rávena, invitado por su príncipe, donde habitó hasta su muerte, en 1321, ocupado básicamente en la creación de la Divina Comedia. Veamos sus obras más importantes:
La Vita Nuova (‘Vida nueva’) (1293-93) está compuesta por un conjunto de 31 poemas líricos y 42 capítulos en prosa. El sentido del título viene dado por la renovación vital que experimenta el poeta al enamorarse de su amada, Beatriz. La parte en prosa sirve como explicación de los sonetos, escritos según los cánones del dolce stil nuovo: temática amorosa de tono platónico (idealizado, sin materialización), queja del poeta por el desdén de la amada, ritmo suave y cadencioso y tono melancólico.  Asismismo, escribió tratados (reflexiones filosóficas) sobre temas de actualidad: Convivio, De Vulgari Eloquentia (acerca del habla popular) (ambos entre 1304 y 1307); éste es un ensayo sobre la lengua vernácula, a quien el autor le asigna la misma dignidad que se le otorgaba al latín. 
La Divina Comedia (compuesta entre 1300 y  1320) es un extenso poema alegórico-moral que se resume en un viaje del autor (“yo poético”) al Infierno, Purgatorio y Paraíso, basado en la teología cristiana y compuesto al estilo de la Antigüedad. El poeta usa la lengua italiana y el terceto encadenado, signo de modernidad renacentista. El apelativo de “comedia” se justifica porque el final es feliz y satisfactorio. Es un texto muy ambivalente, pues el autor se mueve en un mundo de sombras en el que el sentido y valor de lo que allí ve y experimenta nunca se aclara del todo; desea persuadir al lector de los errores de los condenados, para que él no acabe allí y, al mismo tiempo, crea un mundo figurativo en el que lo visto o soñado parece significar otra cosa. 
El número tres (también el siete y el nueve) guarda un valor simbólico: tres partes, treinta y tres cantos cada uno, elaborados en tercetos. El viaje poético se realiza según la concepción del cosmos de Ptolomeo. Es esférico, la tierra en el centro; dentro de ella, con entrada bajo Jerusalén, el descenso a los infiernos, dividido en círculos escalonados; tiene salida, entre un gran mar, como un embudo, por el lado opuesto, donde está el purgatorio y, luego, ya fuera, el paraíso terrenal. Dante sitúa su viaje en el año 1300; dice que la creación del mundo ocurrió 6943 años antes, y que Adán y Eva vivieron en el paraíso en la semana del 7 al 14 de abril del año 0. Veamos su contenido:
El Infierno. El poeta inicia el viaje con 33 años; somnoliento, se ha perdido en una selva, donde lo acorralan tres fieras (una pantera, un león y una loba). Aparece para ayudarle un hombre que resulta ser el poeta latino Virgilio (vivió en el siglo I a.C. y es autor del poema épico La Eneida, en la que se narra la fundación de Roma por Eneas, que había escapado de Troya tras su destrucción), del que Dante hace grandes elogios y lo proclama su maestro. Atraviesan el río Aqueronte en la barca de Caronte y van descendiendo en los círculos de pecadores, cada vez más graves; observan a la diosa Fortuna con su rueda, esquivan al cancerbero, pasan la laguna Estigia y Dante ve (y hasta habla) con los condenados, algunos contemporáneos suyos, de los que se alegra que estén en el infierno. Visitan la ciudad en llamas, Dite. Al fondo, en una laguna helada, Lucifer, con tres caras, devorando a Judas, a Bruto y a Casio (estos dos últimos, asesinos de Julio César). Logran escapar por un pasadizo al otro hemisferio, el claro, que conduce al purgatorio.
El Purgatorio. Llega allí volando en brazos de una mujer celeste, Lucía. Algo más aliviado, se encuentra con múltiples personajes de vida no tan mala que purgan sus pecados. Un ángel le marca siete “pes” en la frente, al entrar. Se le van borrando a medida que sube los círculos. El poeta Estacio (fue real, vivió en el s. I d.C. y era virgiliano) se les suma al viaje. Tras pasar por los siete círculos, llegan a la cima del Purgatorio, el Paraíso terrenal, para lo que han de atravesar el río Leteo (el del olvido). Virgilio se esfuma y aparece Beatriz, que será su guía a partir de ahora; le reprocha sus debilidades, de lo que Dante se arrepiente; luego lo sumergen en el Leteo, como un nuevo bautismo. Beatriz le anuncia que los males de la Iglesia serán reparados por un “515” (un “dux”, caudillo, confusamente aludido). Hay diálogos teológicos sobre asuntos religiosos que preocupan al poeta. Vierte duras críticas contra los papas de su época, al considerarlos corruptos, ambiciosos y malvados.
El Paraíso. Beatriz lo guía por los siete cielos, hasta llegar a la gran Rosa geométrica de los bienaventurados en torno a Dios. Como Lucifer estaba en el centro de la tierra, Dios está en el centro del cosmos, como “el gran mar del ser”. El primer cielo es el de la luna, el segundo corresponde a Mercurio, el tercero es el de Venus, el cuarto, el del Sol. Allí se encuentra con Santo Tomás, San Agustín, San Buenaventura, quienes le aclaran dudas teológicas. Se oye música bellísima y risas y cantos por doquier, en alabanza de Dios. El siguiente cielo es el de Marte, el quinto. El sexto es Júpiter, donde ve almas puras que vuelan formando una figura como de cigüeña y le ruegan que no pregunte demasiado. El séptimo cielo es el de Saturno; reina el silencio y la luminosidad. El octavo cielo es el de las estrellas fijas, que coincide con el triunfo de Cristo; queda temporalmente ciego, San Pedro lo examina de doctrina cristiana, que Dante conoce muy bien; ve a Adán (que había vivido 930 años en la tierra). En el noveno cielo, que es el del Primer Motor del universo, tiene que cerrar los ojos por la fuerte luz, pero todavía atisba nueve círculos luminosos, que son las jerarquías angélicas. Beatriz se hace tan bella que ya es inefable su contemplación. El décimo y último cielo es el Empíreo. Allí sólo se ve la rosa de los bienaventurados, sentados en forma de cruz griega; tal vez se ve una imagen borrosa de Cristo, el mismo ser divino, dentro de un círculo de tres colores, donde reside “l´amor che move il sole e l´altre stelle”.
 En este magno y heterogéneo poema, Dante hace gala de un gran poder de síntesis de conocimientos, sentimientos y creencias, lo que es característico de los grandes poetas. La obra es variada, pero está sometida a un principio compositivo unitario, estructurado y coherente. El lenguaje es muy variado (del estilo retórico elevado al coloquial y rústico), plástico (es fácil imaginar los lugares y las acciones) y poderoso (tiene seducción expresiva e impacta con viveza en el lector). La fuerza de las imágenes es incisiva y quedan retenidas en la memoria del lector, sobre todo las metáforas empequeñecedoras, los símiles (muchos degradantes, otros, magnificadores) y las enumeraciones (que crean la percepción de totalidad en el lector).
1.4. Francesco Petrarca (Arezzo, Italia, 1304 – Arquà Petrarca, Padua,1374)
Nació en los territorios florentinos, en el seno de una familia acomodada y culta; su padre era notario. Se dedicó a la diplomacia y vivió en distintos lugares de Italia y Europa, sobre todo en Aviñón, Francia, donde se estableció el papado en esa época, a causa del cisma. Era un humanista y creador reconocido y admirado, pues fue aclamado en vida como un gran poeta. Se enamoró de una muchacha, Laura, a la que siempre llevó en su memoria y a quien cantó en su poesía. Era humanista y filólogo, pues tenía gran amor a los libros. 
Él es quien moldea definitivamente el “dolce stil nuovo”, hasta el punto de que se creó el “petrarquismo”, un modo de concebir el amor y la creación literaria. Además de algunas importantes obras en latín (como el poema África), en italiano compuso los Triunfos. Se trata de un poema alegórico de contenido moral en el que alecciona sobre cómo elevar el alma hacia Dios en sucesivos estados de perfección.
Su libro más importante es el Canzoniere (Cancionero), compuesta por cerca de 360 poemas, la gran mayoría sonetos, que el autor fue escribiendo y puliendo a lo largo de su vida. El tema central es el amor por Laura, de la que poco sabemos, aunque fue una mujer de carne y hueso. En este sentido, el libro es la historia de su pasión por la amada; estamos ante un recorrido sentimental autobiográfico en el que el poeta analiza sus emociones y la manera de expresarlo literariamente. 
Se dividen en “poemas en vida”  de ella y “poemas tras la muerte”, ocurrida en 1348.  El Cancionero resulta ser una autobiografía poética sentimental y espiritual, pues el poeta recorre sus estados emocionales. Primero refleja su pasión, alegría y dicha por haber conocido a Laura y sentir un amor tan profundo e intenso. Luego pasa a la desesperación y al arrepentimiento porque Laura no le corresponde en sus sentimientos. En soledad, trasmite su sufrimiento emocional, agravado tras la muerte de la dama. Ya en el recuerdo, la transforma en un ángel (donna angelicata) que intercede a Dios por él para transformar su pecaminoso amor profano en amor divino.
Las características del petrarquismo, es decir, un modo nuevo de hacer poesía amorosa son las siguientes:
+La forma métrica por excelencia es el soneto, aunque también otras (estancia, silva, canciones, églogas) en versos endecasílabos. Imprime al poema una cadenciosa musicalidad agradable y dulce.
+El tema principal es el amor, casi siempre, frustrado por  el rechazo de la amada; recoge así un tema propio del amor cortés de la lírica provenzal-trovadoresca. El poeta autoanaliza sus sentimientos y su forma de verterlos en poesía.
+Sentimentalismo: no importan los pensamientos, o los hechos, sino las emociones que suscita en el poeta el amor o el desamor. El marco filosófico en el que se mueve es el neoplatonismo: el mundo y la belleza no es sino reflejo de la de Dios, por lo que admirar y amar es una forma de alabanza divina.
+Fuerte influencia de los clásicos, perceptible en el uso de mitos y de ambientes bucólicos usados por los poetas greco-latinos.
+El uso de abundantes y variados recursos literarios para expresar los sentimientos amorosos es intenso; metáforas, antítesis, paradojas, símiles, etc. son excelentes herramientas retóricas aptas para expresarlos con precisión y elegancia. 

Soneto CXXXII

Si no es amor, ¿qué esto que yo siento?
mas si no es amor, por Dios, ¿qué cosa y cual?
Si es buena, ¿por qué es áspera y mortal?
si mala, ¿por qué es dulce su tormento?

Si ardo por gusto, ¿por qué me lamento?
Si a mi pesar, ¿qué vale un llanto tal?
Oh, viva muerte, oh deleitoso mal,
¿por qué puedes en mí si no consiento?

Y si consiento, error es quejarme.
Entre contrarios vientos va mi nave
-que en alta mar me encuentro sin gobierno-

tan leve de saber, de error tan grave,
que no sé lo que quiero aconsejarme
y, si tiemblo en verano, ardo en invierno.
1.5. Giovanni Boccaccio (¿París?, 1313 – Certano,  Florencia, 1375)
Hijo de un próspero hombre de negocios, italiano, vivió en París, Nápoles y también viajó por muchas ciudades italianas. Abandonó el oficio paterno para dedicarse a las letras. También se enamoró de una dama, Fiammetta (“Llamecita”), pero ésta lo dejó por otro, lo que le provocó un intenso dolor. Será la protagonista de muchas de sus obras. Ocupó cargos diplomáticos y políticos. Boccaccio experimentó con temas y formas literarias muy variadas, hasta encontrar la madurez en la prosa italiana, destinada a un público general culto, en el que predominaba el realismo, la comicidad y una cierta ambigüedad ideológica. Escribió muchas obras, en italiano y en latín, de gran influencia en la literatura europea posterior. Reseñemos las más importantes.
La caza de Diana (La caccia di Diana) (1334) es su primer texto; se trata de un breve poema amoroso de estilo pastoril. La diosa Diana reúne en un bosque a las chicas más bellas para iniciar una caza de animales salvajes, que resultaron ser jóvenes. Parece que era un homenaje a las damas más bellas de Nápoles. 
Filocolo es una extensa y complicada novela, en prosa, que narra la leyenda del noble Florio y la huérfana Biancofiore (Blancaflor), dos chicos enamorados que han de separarse por mil vicisitudes, poniéndolos en peligro de muerte. He aquí un ejemplo de novela bizantina (con muchos pasajes aventureros), una de cuyas características definitorias es la anagnórisis final –reencuentro y salvación de los amantes–. 
Filostrato (“derribado por amor”) es un poema narrativo de argumento clásico escrito en octavas reales. El argumento procede de la mitología: narra el amor de Troilo, hijo menor de Príamo, por Crésida, hija de Calcante, el adivino troyano que, previendo la caída de la ciudad, se ha pasado a los griegos. Troilo conquista a Crésida con la ayuda de su amigo Pándaro, primo de la joven. Sin embargo, en un intercambio posterior de prisioneros, Crésida es enviada al campamento griego. Allí, el héroe griego Diomedes se enamora de ella, que le corresponde. Cuando Troilo conoce la traición de su amada, enfurecido, se lanza a la lucha buscando enfrentarse con Diomedes. Aunque consigue hacer estragos entre las filas griegas, no da con él, y es abatido por Aquiles
Teseida, cuyo nombre completo es “Teseida de las bodas de Emilia” es uno de los primeros poemas épicos italianos. Narra en octavas reales las guerras que el héroe griego Teseo sostuvo contra las amazonas y contra la ciudad de Tebas
Amorosa visión (Amorosa visione) es un poema alegórico en tercetos encadenados. El Corbacho (Corbaccio) fue escrito entre 1354 y 1355. Es un relato cuya trama, tenue y artificiosa, no es más que un pretexto para un debate moral y satírico. Tanto por su tono como por su finalidad, la obra se inscribe en la tradición de la literatura misógina. 
La Elegía de Madonna Fiammetta, es un ejemplo temprano de «novela psicológica». En prosa, se presenta como una larga carta escrita en la que la protagonista, Fiammetta, relata su amor juvenil por Pánfilo, en la ciudad de Nápoles. La relación entre ambos termina cuando Pánfilo debe partir a Florencia. Fiammetta, sintiéndose abandonada por su amante, intenta suicidarse. Al final de la obra la protagonista se siente de nuevo esperanzada cuando oye que Pánfilo ha regresado a la ciudad, pero descubre con amargura que se trata de otra persona con el mismo nombre. 
La Genealogía deorum gentilium («Genealogía de los dioses de los paganos») es una de las más completas recopilaciones de leyendas de la mitología clásica, a las que Boccaccio procura dar una interpretación alegórico-filosófica. Iniciada antes de 1350, Boccaccio continuó corrigiendo la obra hasta su muerte. Fue uno de los libros de consulta más utilizados entre escritores hasta avanzado el siglo XIX. Una vez terminada la obra, Boccaccio añadió dos volúmenes más a la Genealogía. Estos son una gran defensa de la poesía, la mejor nunca hecha y a la que recurrirán los poetas posteriores (como Luis de Góngora).
 El Decamerón es su obra más importante e influyente. Durante la peste que asoló la ciudad de Florencia en 1348, y de la que el autor fue testigo, diez jóvenes (tres muchachos y siete damas) se reúnen en la iglesia de Santa Isabel María Novella y deciden retirarse a una villa alejada de la ciudad para escapar a la peste. Para evitar recordar los horrores que han dejado atrás, los jóvenes deciden relatarse cuentos, y así también ahuyentan el aburrimiento. Permanecen en la villa durante catorce días, pero los viernes y los sábados descansan, por lo que sólo se cuentan historias de diez rondas diarias durante diez días (de ahí el título de la obra). Cada día uno de los jóvenes actúa como «rey»; decide el tema sobre el que versarán los cuentos (excepto los días primero y noveno, en los que los cuentos son de tema libre). En total, se cuentan 100 relatos de diversa extensión. Las fuentes de Boccaccio son variadas: van desde los clásicos grecolatinos hasta los fabliaux franceses medievales, junto con cuentos y leyendas de origen popular italiano. Su influencia fue profunda y constante en la literatura clásica española, como en Cervantes, Lope de Vega, etc.
Boccaccio escribe en un estilo “humilde y moderado”, es decir, un registro medio que se aleja de lo culto y retórico pero rehúye de la vulgar zafiedad. El tema predominante en los cuentos es el amor y la pasión (con todas sus secuelas: celos, infidelidades, muertes trágicas, burlador burlado, mujer astuta e infiel, etc.); el protagonista que predomina es la del fraile lascivo. No muestra intención moralizante, sino que persigue el entretenimiento del lector a base de humor y sátiras mordaces, con un ritmo narrativo ligero y bien estructurado.
Un ejemplo que vale por todos es el IX, 6 (“De cómo uno de los compañeros se enamoró de una moza y de lo que aconteció”):
 Un labrador pobre, Adriano, tiene una mujer y una hija hermosas, además de un bebé. Rinucio es un joven florentino enamorado de la moza, de modo que se va a hospedar a casa del labrador  junto con su amigo Adriano. Duermen todos en una habitación con tres camas, además de la cuna del bebé. A media noche, Rinucio se va a la cama de la joven, que lo recibe de buena gana. Adriano ha salido por una necesidad fisiológica; se tropieza con la cuna y la coloca, inadvertidamente, al lado de su cama. Una gata tira varios utensilios ruidosamente, por lo que la señora se levanta a comprobar lo que ha pasado. Al volver, se mete en la cama con Adriano, pues la colocación de la cuna la confunde. Rinucio, al clarear el día, vuelve a su cama para que no lo descubran, pero se mete en la cama con el labrador, a quien le cuenta lo bien que le ha ido con la moza. El labrador se despierta encolerizado y dando grandes voces. La mujer se va a la cama con su hija y se lleva a la cuna con el bebé. Luego convence a su marido que ha bebido demasiado y ha confundido sus sueños con la realidad.
  1. EL TEATRO ISABELINO: LA OBRA DE SHAKESPEARE
2.1. Un teatro renovador, variado y popular
Entendemos por teatro isabelino inglés al conjunto de obras escritas en el reinado de Isabel I de Inglaterra (1558-1603) y de su sucesor Jacobo I (1603-1625). Son obras compuestas bajo el influjo de la mentalidad renacentista y humanista procedente de Italia, de intensa influencia en Inglaterra. Sus características principales son:
+Están piezas están escritas en versos blancos (mantiene el número de sílabas por verso –o pies, cinco–, pero no hay rima).
-No respeta las normas de las tres unidades (los cambios de lugar y tiempo son constantes, de una escena a otra).
+Mezcla ingredientes cómicos y trágicos; la figura del clown es importante por el contrapunto cómico que introduce en los momentos de tensión dramática.
+Suelen aparecer elementos mágicos o sobrenaturales.
+Finalmente, los personajes son verosímiles y realistas, bastante autoirónicos.
+Los temas, aun tomados de la antigüedad (clásica y nacional inglesa), adquieren una modernidad y atemporalidad asombrosas. 
+El recurso al teatro dentro del teatro era muy común. 
Como se ve, guarda muchas afinidades con el teatro clásico español moldeado por Lope de Vega y sus sucesores. Se establecen edificios dedicados sólo al teatro, explotados por empresarios o compañías de actores, como El Globo, de Shakespeare. Las compañías teatrales ya son estables y profesionalizadas, lo que aumenta la calidad; no había mujeres actrices; sus papeles recaían sobre jóvenes. Los teatros eran espacios bastante democráticos y abiertos y sus espectáculos muy populares y exitosos. Además de Shakespeare, sobresalieron otros dramaturgos como Cristopher Marlowe (Tamerlán el grande, parte I y II, El doctor Fausto), Benjamin Johnson (Volpone, El alquimista) y Thomas Kyd (La tragedia española, antecedente del Hamlet de Shakespeare), etc.
2.2. William Shakespeare (1564-1616)
a) Biografía y producción literaria
Nació y murió en Stratford-on-Avon, hijo de un comerciante de lanas. Se casó con una mujer ocho años mayor que él, Anne Hathaway, con la que tuvo dos hijas que sobrevivieron a los padres; parece que no fue un matrimonio feliz. Además de dramaturgo y poeta, era actor y empresario teatral; desarrolló toda su carrera en Londres. Aunque no realizó estudios superiores, poesía una amplia cultura literaria. Murió el 23 de abril de 1616, en asombrosa coincidencia con el otro genio de la literatura universal, el español Miguel de Cervantes.
Sus sonetos (compuestos por tres cuartetos y un pareado) son de gran belleza y perfección. En 1609 apareció una misteriosa edición completa, seguramente sin el permiso de su autor, por parte de un tal T. T (quizás Thomas Thorpe, un editor amigo de escritores y escritor él mismo). La dedicatoria es a un tal señor W. H., tal vez uno de sus protectores. Muchos poemas celebran a un amigo rubio y bien parecido de alta alcurnia, mecenas del poeta, al que propone que deje la soledad, el narcisismo y los placeres y engendre herederos. Otro grupo alude a una mujer morena, que se hallaba casada. Los temas predilectos son el amor con todas sus modulaciones y el tiempo, visto en su paso inexorable y en su brevedad angustiosa. Aunque son poemas de notable calidad, son sus dramas los que le han concedido fama inmortal.
b) Producción teatral
Como dramaturgo, pasó por una fase inicial de tanteos y aprendizaje, una de madurez y otra final, de mucha perfección. Sin embargo, sus obras suelen agruparse según el tema y la estructura, en tragedias, comedias y dramas históricos. En vida no publicó casi nada. La mayoría de sus obras vieron la luz en 1623 en una edición denominada First Folio. Como se puede deducir, sus fuentes de inspiración son variadas: historia inglesa, leyendas, fuentes literarias, etc. Escribió unas cuarenta piezas, poco en comparación con los dramaturgos clásicos españoles. Veamos las más importantes:
1) Tragedias. Son piezas de final desgraciado en las que chocan caracteres fuertes y enérgicos, arrastrados por el destino o sus instintos hacia situaciones sangrientas. En todas ellas aparece una honda reflexión moral, de tono pesimista, sobre la posición del hombre en el mundo, la vida como algo inextricable y absurdo, etc.
Tito Andrónico. Tito Andrónico, el gran general romano, regresa victorioso a Roma tras una larga guerra contra los germánicos del norte. Se enfrenta a Tamora, mujer goda esposa del nuevo emperador, pero ésta le inflige continuas crueldades. En venganza, Tito apresa a los dos hijos restantes de Tamora, los cocina y sirve en la cena. Al final, Tito mata a su hija para evitarle la deshonra de seguir viviendo sin manos ni lengua y asesina a Tamora. En la reyerta que se sucede mueren Tito y el emperador. Lucio es coronado emperador y condena a morir de hambre al esclavo moro de Tamora, a quien se considera incitador de todas las maldades cometidas por su ama. Otras piezas de ambiente romano son Julio César y Antonio y Cleopatra, Troilo y Crésida tiene una base en la leyenda griega troyana, pero modificada. 
Romeo y Julieta: los jóvenes enamorados pertenecientes a familias rivales tratan de vivir su amor, lo que les conducirá a la catástrofe. La estudiaremos con detenimiento. 
Hamlet: Recrea la historia del príncipe de Dinamarca que ha de resolver, entre dudas angustiosas, la muerte de su padre y el precipitado matrimonio de su madre. Ofelia, su amada, no aguanta la presión y se suicida. Laertes, compañero pasado a enemigo y hermano de Ofelia, es el instrumento del destino para ejecutar la muerte de Hamlet. 
Otelo: Otelo, el moro de Venecia, acaba por matar a su mujer a causa de los celos, aunque todo había sido preparado por Yago, quien mata a su mujer por descubrirlo (ya antes había liquidado a su mejor amigo, Casio, quien lo había ayudado en sus planes). Lo ejecutan a él por criminal, pero Otelo no soporta su culpa y se suicida. 
El rey Lear abandona el poder y lo reparte entre sus tres hijas, tras prometerle afecto y fidelidad, aunque Cordelia, la menor, parece que lo hace con reticencias. Las dos mayores, ambiciosas, pronto se enfrentan entre sí por el poder, y se aniquilan. También ordenan eliminar a Cordelia. Lear, tras un proceso de enajenación, recupera el juicio y la lucidez y cede su trono a dos nobles leales, Edgar y Kent, éste hijo de su hija mayor. 
Macbeth es la tragedia de la ambición desmedida. Lady Macbeth induce a su marido a matar al rey escocés Duncam para proclamarse ellos reyes. Tres brujas lo habían predicho. La mujer enloquece por sus remordimientos y tormentos fantasmagóricos y se suicida. Macduff, un compañero de Macbeth en el ejército escocés, al conocer los crímenes de éste, lo mata y es coronado nuevo rey de Escocia Malcolm, su hijo. Otras tragedias Coriolano y Timón de Atenas.
2) Comedias.  Se caracterizan por la presencia de elementos mágicos,  la convivencia abigarrada de personajes de toda clase social, la importancia de los sentimientos, un lenguaje vivo, expresivo y juguetón y un movimiento dramático caótico que acaba con la restauración festiva de un orden natural.  
El sueño de una noche de verano: Durante la boda de Teseo e Hipólita tiene lugar una obra plagada de fantasía, sueños, amor y magia que se entremezclan en las historias de amor dos parejas nobles, de unos cómicos despreocupados y un grupo de miembros del mundo de las hadas. 
El mercader de Venecia: Bassanio, un veneciano que pertenece a la nobleza pero es pobre, le pide a su mejor amigo, Antonio, que le preste 3.000 ducados para casarse con la rica heredera Porcia. Antonio, que tiene su dinero empleado en sus barcos, le pide prestada la suma a Shylock, un judío usurero, personaje tópico de la literatura europea de esta época. Shylock se lo presta con la condición de que, si la suma no es devuelta en la fecha fijada, Antonio tendrá que dar una libra de su propia carne de la parte del cuerpo que Shylock dispusiera. Los barcos naufragan y el final feliz se asegura porque Shylock no puede cobrarse la deuda, al tener que hacer sangre, lo que iba en contra del contrato. 
La tempestad: Próspero, duque legítimo de Milán, ha sido expulsado de su posición por su hermano y se encuentra en una isla desierta tras naufragar su buque. La obra comienza con una fuerte tormenta, desatada por Ariel (a mandato de Próspero), cuando adivina que su hermano Antonio viaja en un buque cerca de la isla en la que se encuentra. En ella, Próspero cuenta con la compañía de su hija Miranda y pasa su tiempo con sus numerosos libros dedicándose al estudio y el conocimiento de la Magia. Próspero entra en contacto con espíritus como Ariel. Con su ayuda, desde el caos y la locura, Próspero tejerá un encantamiento que le permitirá iniciar su venganza. Al final, renunciará a su magia perdonando a sus enemigos y permitiendo el matrimonio entre su hija Miranda y Fernando, heredero al trono de Nápoles. 
La fierecilla domada. Toma el asunto de la chica arisca que no se deja dominar, pero con una estrategia persuasiva su novio lo logra. Don Juan Manuel ya había incluido el cuento en su El conde Lucanor.
 3) Obras históricas. Se trata de casi una docena de piezas relacionadas con la historia, relativamente reciente, de Inglaterra. Tenían una intención didáctica muy clara, pues exaltaban la monarquía e inculcaban un patriotismo inglés nada disimulado; es lo que hizo Lope de Vega en España. Shakespeare había leído libros de la historia de Inglaterra que le sirvieron como fuente de documentación; llevan el título del rey correspondiente, de los siglos XIV, XV y XVI. Enrique VIII y Ricardo III son algunas de las obras más famosas.
c) Características del teatro de Shakespeare
Shakespeare fue un artista dotado de una gran genialidad creativa. Acuñó una fórmula teatral intemporal, novedosa y rupturista. He aquí sus rasgos más llamativos: 
1) Abandona los normas clásicas (excepto los cinco actos), de ahí que mezcle prosa y verso, tragedia y comedia y no siga las tres unidades (lugar, tiempo y acción. 
2) Sus argumentos, aun no siendo originales, tienen un sello de originalidad imaginativa y están desarrollados en una trama coherente y sorprendente para el espectador.
3) El lenguaje es muy variado y apropiado, con uso feliz de los procedimientos retóricos; el autor juega con el lenguaje, creando juegos de palabras, dobles sentidos,etc.. 
4) Los personajes están muy bien construidos; son complejos, densos y profundamente dramáticos (Hamlet= la duda; Otelo= los celos; Macbeth= la ambición; Lear= el abandono de los hijos). 
5) Distanciamiento irónico de la acción representada, como si no le interesara. 
6) Teatro dentro del teatro, o autoconciencia de los personajes de que sólo representan. La mayoría de sus obras han sido llevadas al cine, signo de su actualidad e interés para los espectadores contemporáneos. 
  1. EL TEATRO CLÁSICO FRANCÉS: MOLIÈRE
En el siglo XVII floreció en Francia, coincidiendo con su ascenso a potencia europea de primer orden, un teatro de corte clásico de gran calidad, basado en la aceptación de las reglas aristotélicas de composición dramática (cinco actos, separación de tragedia y comedia, acatamiento de las tres unidades, obras en prosa). Tres son los autores que nos dejaron obras memorables por su perfección técnica y su hondura dramática.
3.1. Pierre Corneille (1606 – 1684)
Corneille compuso excelentes comedias y tragedias, a base de estructuras dramáticas complejas y construcción teatral perfecta. Sus personajes son enérgicos y determinados, que buscan su gloria sin titubeos. Escenas líricas alternan con las más dramáticas aportando riqueza y matices a sus personajes. 
Las tres obras más importantes son El Cid, basada en el héroe épico castellano, quien tiene que vengar a su padre en duelo con el padre de su prometida, doña Jimena, al que finalmente mata. 
En Horacio exalta el patriotismo (romano, en este caso), el honor y el seguimiento de las leyes del reino. Horacio ha de matar, en duelo, a sus amigos y cuñados y a su hermana para defender a Roma de una ciudad vecina, Alba Longa, representada por sus amigos y parientes.
En Cinna realiza una reflexión senequista sobre la clemencia (o la necesidad de perdón) en el ejercicio del poder político. El emperador Augusto no condena a Cinna y a su novia, Emilia, a pesar de urdir un complot contra él.
3.2. Jean Racine (1639 – 1699)
Con un estilo sobrio y elegante, Racine compuso tragedias de protagonista femenino arrastrados por un destino contrario. Ofrece una visión poética de los temas en espectaculares escenas dramáticas. 
Andrómaca tiene el fondo legendario del ciclo de Troya; la base del drama reside en que Orestes ama a Hermíone, que ama a Pirro, que ama a Andrómaca (reina viuda de Héctor, hijo del rey de Troya), que debe proteger a su hijo Astianacte; tantas pasiones sin correspondencia acaban en locura (Orestes) o suicidio (Hermíone). 
Britannicus es una tragedia romana en la que Nerón, enamorado de Junia, prometida de su hermanastro Británico, envenena a éste. Junia se retira a un templo, al tiempo que Agripina, madre del emperador, se desespera por no poder controlarlo. 
Ifigenia aborda el asunto mitológico del mismo nombre. Agamenón quiere sacrificar a su hija a los dioses engañando a su mujer, Clitemnestra, para lo que simula una boda de Ifigenia con Aquiles; éste había secuestrado a la joven Eripfila, que está enamorada del héroe; al comprobar que Aquiles prefiere a Ifigenia, ella misma se inmola en el altar destinado a la hija del rey. Atalía es reina de los judíos tras la muerte del rey y sin tener otra descendencia. Joad, sumo sacerdote, conoce la existencia de Joas, nieto de la reina; lo educa para enfrentarse a su abuela, pero el chico lo rechaza. Atalía ataca al templo donde la casta religiosa retienen a Joas, pero sus soldados huyen presa del pánico. Joad encuentra la oportunidad de mandar ejecutar a la reina.
3.3. Jean Baptiste Poquelin, Molière (París, 1622 – 1673)
Actor él mismo y autor de comedias, buen conocedor de la tradición teatral greco-latina, gran observador de la sociedad de su época, creó piezas con gran fuerza satírica y comicidad; fue la figura más importante del teatro clásico francés. La escuela de mujeres es una crítica al egoísmo de los hombres que prefieren para casarse una mujer ignorante y servil (como Arnolfo desea hacer de Agnes) a otra inteligente. Sin embargo, Horacio se enamora de Agnes, que le corresponde, pero no puede hacer nada por escapar de Arnolfo, su tutor. Al fin, la llegada de Enrique desde América desvela que Agnes es hija suya y le da su consentimiento para casarse con su verdadero amor, Horacio. 
En Tartufo critica a los santurrones beatos que, o son manipulados si son ignorantes, o manipulan si son malvados. Orgón es un hombre rico y poderoso que ha caído bajo la influencia de Tartufo (tartuffe, en francés es la trufa u hongo escondido bajo tierra, no visible a simple vista), un hipócrita beato, que además es bastante torpe, de modo que casi todo el mundo conoce sus intenciones, excepto Orgón y Madame Pernelle. El mediocre y ladino Tartufo exagera la devoción y ha llegado a ser el director espiritual de Orgón. Este aventurero está tratando, además, de casarse con la hija de su benefactor, al tiempo que trata de seducir a la segunda esposa de éste, Elmira, mucho más joven que su marido. Una vez desenmascarado, tratará de aprovecharse de unas donaciones (firmadas) que Orgón le ha transmitido para tratar de echar a éste de su propia casa. Va incluso ante el rey, pero éste, recordando los antiguos servicios que Orgón le prestó, anula dichos papeles y hace que Tartufo sea detenido.
Don Juan es una versión de “El burlador de Sevilla”, de Tirso de Molina; presenta al seductor impenitente que atropella a las mujeres para saciar su apetito sexual, infringiendo toda clase de leyes, divinas y humanas; el padre de doña Inés, en estatua, lo invita a cenar en la noche de difuntos y se lo lleva a los infiernos. 
El médico a palos es una crítica a los médicos charlatanes y sacadineros. Sganarelle es un médico a su pesar, tras recibir una tunda de palos, por una venganza que había tramado su mujer. Ha de curar a Lucinda, que no está enferma, pero disimula para poder casarse con Leandro, honrado pero pobre; recibe una herencia inesperada y es aceptado por Geronte, padre de la chica. 
En El misántropo Molière reflexiona y critica la hipocresía social y el juego de intereses de unos y otros, hombres y mujeres, por amor, fama o dinero. Alcestes, huraño, está enamorado de Celimena, que coquetea con otros jóvenes atractivos, hasta comprender quién es el más auténtico y desinteresado. 
El avaro, nombrado Harpagón, tiene a sus hijos Elisa y Cleante alcanzados de dinero. Viudo, desea casarse con Mariana, que está enamorada de su hijo, aunque no quiere gastar ni una moneda. El robo de una caja con una fuerte suma de dinero lo desespera. Finalmente, la llegada del señor del rico Valerio, desaparecido muchos años antes por accidente, arregla las cosas. Es el padre de Valerio y Mariana, que se casan con Elisa y Cleante. 
El enfermo imaginario es la última obra de Molière; de gran perfección artística y constructiva, es una crítica a los médicos charlatanes y a los hipocondríacos, como Argán, que desea casar a su hija Angélica con uno de esos galenos. Llega a hacerse el muerto y ahí conoce los sentimientos de cada uno, lo que le hace cambiar de opinión sobre su hija, sincera y amorosa, y su segunda mujer, Belina, no tan fiel como parece.
3.4. ANÁLISIS DE ROMEO Y JULIETA (1597), DE WILLIAM SHAKESPEARE
  1. Caraterísticas de la pieza
Shakespeare no fue original (ni nadie se lo valoraría) en el asunto de una de sus más celebradas tragedias. El argumento está basado en la traducción inglesa (The Tragical History of Romeus and Juliet, 1562) de un cuento italiano de Mateo Bandello, pasando previamente por traducciones italianas y francesas. La circulación de temas, tópicos por Europa ha sido intensa e ininterrumpida, más allá de la lengua originaria. La obra se estrenó entre 1594 y 1595. Consta de cinco actos.
La técnica dramática es hábil y muy elaborada. La pieza se caracteriza por la mezcla entre comedia y tragedia como forma de aumentar la tensión, por la relevancia argumental que confiere a los personajes secundarios y por el uso de tramas secundarias para adornar la historia. Además, en ella se adscriben diferentes formas métricas para los distintos personajes (polimetría), que, en ocasiones, terminan cambiando de acuerdo con la evolución de los mismos personajes; por ejemplo, Romeo se va haciendo más experto en el uso del soneto a medida que avanza la trama. 
La tragedia ha sido adaptada en numerosas ocasiones para los escenarios, el cine, los musicales y la ópera. Por otro lado, siempre nos quedará la duda de si Romeo y Julieta existieron y vivieron en Verona, como Shakespeare los imaginó, producto de sus lecturas.[]
  1. Argumento 
La obra comienza con una disputa callejera entre los Montesco y los Capuleto. El príncipe de Verona, Della Escala, declara un acuerdo de paz que en caso de ser violado habría de ser pagado con la muerte. Después de los sucesos, el conde Paris se reúne con el señor Capuleto para conversar sobre la idea de contraer matrimonio con su hija, pero Capuleto le pide que espere durante un plazo de dos años más, tiempo tras el cual Julieta cumpliría quince. Aprovechando el ofrecimiento, le sugiere que organice un baile familiar para celebrar tal acontecimiento. Mientras tanto, la señora Capuleto y la nodriza de Julieta intentan convencer a la joven de que acepte casarse con Paris.
Entre tanto, Benvolio habla con su primo Romeo, hijo de los Montesco, sobre su más reciente depresión. Convencido de que la tristeza de su primo se debe al amor no correspondido de una joven llamada Rosalina —sobrina del señor Capuleto—, Benvolio le informa acerca del baile familiar de los Capuleto. Finalmente, Romeo acepta acudir sin invitación a la ceremonia, esperando encontrarse con Rosalina. No obstante, cuando llega a la fiesta, se encuentra con Julieta y se enamora perdidamente de ella. Tras concluir el baile, en la secuencia conocida como «la escena del balcón», Romeo se infiltra en el patio de la casa y escucha secretamente a Julieta, quien está en el balcón de su dormitorio, admitiendo su amor por él a pesar de la hostilidad entre su familia y los Montesco.
Con el paso del tiempo, el joven comienza una serie de encuentros con la muchacha, hasta llegar al momento en que ambos realizan un juramento de amor y deciden casarse en secreto, con la asistencia de Fray Lorenzo. Ofendido por la irrupciión de Romeo en el baile familiar, Teobaldo —primo de Julieta— reta al joven a un duelo. Sin embargo, Romeo evade el combate. Impaciente tanto por la insolencia de Teobaldo como por la «cobarde sumisión de Romeo», Mercucio —amigo de Romeo— acepta el duelo y Teobaldo lo mata. Dolido por su muerte, Romeo retoma el enfrentamiento y logra asesinar al primo de Julieta. A consecuencia de lo anterior, es condenado al exilio. Malinterpretando la tristeza de su hija, el señor Capuleto decide ofrecerla en matrimonio al conde Paris. Finalmente, la joven acepta bajo la condición de prolongar la boda, aun cuando su madre se niega terminantemente. Mientras tanto, Romeo pasa la noche secretamente en la alcoba con la muchacha.
Julieta visita a Fray Lorenzo para pedirle ayuda, y éste conviene en ofrecerle una sustancia que la induciría a un intenso coma con duración de dos y cuarenta horas.[] Una vez que la joven acepta llevar a cabo la farsa, el religioso le promete enviar un mensaje a Romeo, exiliado en Mantua, informándole sobre su plan secreto, por lo que podría volver cuando ella despierte. La noche anterior a la boda, Julieta ingiere la droga y sus familiares, al creerla muerta, depositan su cuerpo en la panteón familiar.
A pesar de su promesa, el mensaje de Fray Lorenzo nunca llega a Romeo; éste se encuentra con Baltasar (uno de sus sirvientes), quien le informa de la repentina muerte de Julieta. Frustrado ante semejante noticia, Romeo decide comprarle al farmacéutico de la ciudad un veneno mortal, antes de acudir a la cripta donde se encuentra Julieta. Al llegar, se encuentra con Paris en el cementerio, impresionado por la muerte de la joven. Creyendo que Romeo es un saqueador de tumbas, el conde lo enfrenta pero muer. Convencido de que su amada está muerta, Romeo bebe el veneno. Al despertar del coma inducido, Julieta se encuentra con los cadáveres de Romeo y Paris en la cripta; incapaz de hallar una solución a tales circunstancias, se atraviesa el pecho con la daga de su esposo. Algo después, los Montesco y los Capuleto, acompañados del príncipe, se percatan de la muerte de los jóvenes y del conde. Conmovido por la trágica escena, Fray Lorenzo les relata la historia de amor de los jóvenes. Su revelación consigue terminar con la rivalidad entre ambas familias. Romeo y Julieta finaliza con la elegía de Della Escala sobre el «amor imposible» de los jóvenes: «Nunca ha habido una historia más trágica / que ésta, la de Julieta y su Romeo…». 
  1. Temas
El tema principal de Romeo y Julieta es el amor trágico, es decir, el amor apasionado e intenso que anula la voluntad de los amantes. Es un sentimiento puro, violento e irreprimible que fructifica inopinadamente y acaba en muerte. La tensión emocional de los personajes es muy alta, y viene dada por la medida de sus pasiones, a las que se entregan sin reflexión. Otros temas de la obra son: 
Destino y azar: el destino (“las estrellas”) parece empujar a los jóvenes a un final aciago, acaso sin comprenderlo, acaso aceptándolo con todas las consecuencias. Romeo se llama “tonto afortunado” en cierto momento. ¿Son incapaces de gobernar su futuro, cegados por su pasión amorosa? Tal vez. Por otro lado, todos los hombres deciden matar sin muchas contemplaciones cuando ven en peligro sus deseos. ¿Azar o empujados por el destino?
Enfrentamiento de fuerzas contrarias (de familias, de personas y de sentimientos): Los Montesco se enfrentan a los Capuleto por cuestión de intereses y prestigio; los criados y amigos de ambas familias no dudan en matarse para proteger sus intereses, así como Romeo  mata a Paris; el odio y el amor chocan muy frecuentemente, incluso en los mismos personajes, lo que genera violencia descontrolada.
– Tiempo fugitivo y muerte certera. La acción dura entre cuatro y seis días; está muy condensada. El paso del tiempo es un asunto importante y hasta agobiante que muchos perciben. Los amantes, por ejemplo, pues desean unirse para siempre.
 
4. Construcción dramática y lenguaje
La construcción dramática es muy acertada. Aunque apenas hay acción secundaria (normal en las piezas de Shakespeare), los personajes de segunda fila (como el Ama)  llevan adelante sus propias acciones, hablando muchísimo y a su manera. El ritmo dramático es intenso, progresivo, a veces parece hasta atropellado. Ello aumenta la intriga y el interés del espectador, que se encuentra envuelto en una atmósfera algo irreal, pero absorbente.
 El dramaturgo utiliza variadas formas métricas a lo largo de la pieza. Usa la polimetría con ciertos metros reservados para temas o personajes determinados. El verso común es el soneto con versos blancos. Recordemos que también funciona así en el teatro clásico español, aunque con mayor variedad. El lenguaje es variado (de lo culto a lo vulgar), en general algo retórico y significativo. Es típico del autor inglés los juegos de palabras (anfibologías, dilogías, antítesis, paradojas…, para crear humor) y un uso abundante y muy acertado de recursos literarios (metáforas, símiles, personificaciones, ironías, etc.) que embellecen y dotan al discurso de extraordinaria expresividad y belleza. 

 

Advertencia: aunque la estructura, intención y sentido de la este texto es original, bastantes datos aquí proporcionados proceden de Wikipedia, donde se pueden contrastar.

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